Categoría: OBRA MUSICAL
Crítica de Mireya,
un musical de tango
Buenos Aires, Argentina.
Temporada 2014 (Teatro Presidente Alvear).
Calificación: 8.5 /10
¿De qué se
trata?: Mireille, una joven huérfana
que vive con sus tíos en un conventillo de Buenos Aires, sueña con triunfar en
el mundo del espectáculo, junto con su inseparable amigo Miguel. Un día, conoce
a un hombre de clase acomodada que la seduce (Manuel), y su vida cambiará para
siempre.
El punto fuerte de la obra: la interpretación de Gabriela
Bevacqua como Mireya.
A lo largo de la obra, se adueña del personaje de tal
forma que es difícil imaginar a otra actriz en su lugar. Tiene un protagonismo
casi absoluto, y sólo sale de escena para cambios de vestuario. Pero lo más
importante es que nos muestra los matices propios de la vida trágica de la
protagonista, incluso desde el tono de voz y forma de moverse. Entonces, se
pueden reconocer cambios en su actuación, conforme Mireille va recibiendo golpes
de la vida. Así, se va desdibujando la joven inocente y soñadora del principio,
pero lo más llamativo es que se puede seguir percibiendo que ese espíritu romántico
nunca la abandona, porque está demasiado arraigado en su corazón. Es gracias a
esto que la obra funciona, dado que el público se preocupa por ver qué le
deparará el destino a través de los años.
Bevacqua saca a relucir también su calidad de cantante,
reflejando las transiciones de su personaje con la voz. Es la voz principal de
la mayoría de las canciones, ubicadas en tramos donde su personaje experimenta
emociones distintas (por ejemplo, el anhelo, el amor y la desesperación). Su
registro permite que escuchemos una fusión entre el estilo de teatro musical y
el tanguero. Complementa su canto con el baile.
Pepe Cibrián Campoy, autor del libro y las letras, se
aleja de los clásicos de la literatura que venía versionando para contar una
historia bien porteña. El cambio parece favorecerlo (debo decir que no me había
cerrado Excalibur), porque el guión
es entretenido y dinámico, y no suele abusar del melodrama y estancarse allí,
sino que busca la forma de alivianarlo. Esto no quiere decir que la historia no
alcance los necesarios tintes oscuros. Por otro lado, agiliza la narración a
partir de una combinación de la síntesis y la elipsis. Con esto me refiero a
que, por ejemplo, un personaje le relata a otro lo que le sucedió, y no hay
necesidad de mostrarlo (así, se saltean horas, días y años, sin perder cohesión
narrativa). Ya había tratado de dinamizar El
Retrato de Dorian Gray en su última reposición, pero a mí me había parecido
que los cortes eran innecesarios.
Volviendo a Mireya,
Cibrián usa algunas metáforas en sus letras (como las de la ruleta y las estrellas).
Cabe aclarar que el desarrollo argumental de este musical tiene poco que ver
con el de la película Los muchachos de
antes no usaban gomina (1976), recordada remake de una cinta de 1937, con
Susana Campos como Mireya y Rodolfo Bebán como Alfredo. Es más, hay cambios
sustanciales, tanto en la personalidad de personajes como en los hechos.
Cibrián hizo su propia versión, y ambas funcionan. Quienes hayan visto la
película se darán cuenta de que la obra empieza mucho antes, explorando el
pasado de Mireya. Un detalle es que, en la obra, hay un guiño a la dirección de
arte del film: en la escenografía de “lo de Hansen”.
Una digresión interesante: en la película de 1976,
hay un momento bastante extraño donde, de la nada, una escena en un parque se
transforma en un musical. Esto se da una sola vez, aunque después Mireya cante
brevemente Mi vida es una copa de
champagne (no es cantante, como en la obra) y aparezca Néstor Fabián con la
emocionante “Tiempos viejos”. Yo me refiero a otra cosa: a un cuadro que parece
sacado de una comedia musical clásica e injertado en la cinta, donde un grupo
de bailarines con trajes elegantes canta sobre los rápidos avances tecnológicos
de la época: Velocidad. Velocidad. ¡Ya no
saben qué inventar! (…) ¿Dónde iremos a parar? (el tema central de la
película, según mi parecer, es la nostalgia). Todo esto, al ritmo de una
coreografía sincronizada. Después, todo sigue normalmente y ya nadie canta en
el parque. Una rareza.
Retornando al 2014, Ángel Mahler (compositor de la
música original) sorprende en una faceta nueva, que da cuenta de su
versatilidad. Sus composiciones tangueras y milongueras son notables y
funcionales a la historia, además de tener ese dejo al estilo de teatro musical
que ya nombré (y de recordarnos ese 2x4 de los tangos clásicos que le sirvieron
de inspiración). Como ya ocurrió en otras obras de la dupla Cibrián-Mahler, es
él quien realza algunas escenas con su partitura, y acrecienta el poder de las
emociones. Por otra parte, es un gran pianista. La orquesta se completa con
Dolores Stabilini (violín), Carlos Di Palma (contrabajo) y Alejandro
Guerschberg (bandoneón), tres buenos músicos que se ensamblan bien gracias a
las orquestaciones.
Cibrián agregó el personaje de Leandro Gazzi
(Miguel), el incondicional amigo gay de Mireille, que desarrolla sus dotes
histriónicos y le da una buena dosis de humor al espectáculo.
Damián Iglesias (Alfredo) puede componer con
convicción roles muy distintos. En Mireya,
tomó la posta de la puesta en escena y dirección de actores (Cibrián estaba
ocupado con Priscilla). Las obras de
Cibrián (después de todo, el director general) tienen un estilo particular de
actuación, muy ligada al desborde. En este caso, ese estilo encaja dentro del
marco costumbrista. Iglesias supera el desafío de escenificar flashbacks, de alternar prolijamente las
escenas de texto con las canciones y de pulir los momentos de violencia.
Martín Repetto (Manuel) encarna a un villano odioso y
Lorena García Pachecho (madre de Alfredo) causa rechazo por la rigidez de su forma
de pensar, propia de las convenciones de la sociedad de principios del siglo
pasado, preocupada por guardar las apariencias.
Por supuesto, como la música nos transporta a la
danza porteña por excelencia, el baile tenía que tener un papel primordial. Para
eso, se convocó al reconocido bailarín de tango Esteban Domenichini (por
ejemplo, participó del espectáculo Tanguera)
para el preciso diseño coreográfico. Es una de esas personas que llevan el
tango en la sangre, y degusta cada uno de los pasos; los siente (si van esta
semana, podrán verlo bailar brevemente). Trató de trasladar esta capacidad de
hablar con el cuerpo al elenco, con movimientos de tango fantasía. El tango es
una danza sumamente expresiva, donde parecería difícil no dejar al descubierto
lo que uno siente. En la película, Alfredo decía “El tango es una música
auténtica; nuestra” (la aristocracia de 1906, a la que pertenecía su familia,
repudiaba esta danza).
En la misma línea de lo que comentaba sobre la
síntesis del libro, se usa el tango como forma conceptual de relato. Así, por
poner un ejemplo, varios encuentros entre Mireya y Alfredo y el desarrollo
inicial de su pasión se resumen en un baile.
René Diviú hizo un vestuario acertadísimo, que
refleja el efecto de
la Belle
Époque en Buenos Aires. Además, su diseño de escenografía contribuye mucho a la
ambientación. Sin ser ampuloso ni invasivo, presenta numerosos recursos que
captan la atención del espectador con simpleza y lo sumergen en cada locación
(se recurre, frecuentemente, a grandes paneles que bajan y suben). El uso de
ladrillos le da a la obra una estética fría, como la vida de Mireya (en la
película dice “Mi vida no está hecha para la felicidad (…) Tengo lo que me
merezco”). La rampa del foso diversifica las entradas y salidas a escena. Sí,
de vuelta hay escaleras móviles, un sello de Cibrián.
El ensamble está compuesto por Eluney Zalazar, Bruno
Pedicone, Nicolás Bertolotto y Verónica Pacenza. Todos ellos desempeñan algunos
roles secundarios, además cumplir el rol de figurantes para darle vida a
escenas que transcurren en exteriores o en reuniones. No se necesitaban más que
esos cuatro bailarines para poder lucir algunas coreografías vistosas, que
acompañan la acción dramática y canciones (a veces, con los protagonistas
también bailando).
La iluminación es uno de los fuertes de Cibrián, aquí
en dupla con Carlos Gaber (los mismos que firmaron la superlativa iluminación
de la última reposición de
Calígula).
Con menor estridencia, repiten su particular estilo de dejar algunos sectores
en foco y otras a oscuras, y sus cambios de color o intensidad marcan la
transición entre una escena o una locación y otra sin necesidad de apagones totales
o de que el actor salga de escena. Asimismo, la luz une bajo un mismo
sentimiento a los personajes, aunque se encuentren a cierta distancia, y
resalta la escenografía.
Finalmente, quisiera remarcar que los preadolescentes
pueden disfrutar tranquilamente de este musical (lo aclaro porque vi algunos en
la sala).
En resumen: El mejor musical de la dupla Cibrián-Mahler de los últimos años, con
una actuación exacta de Gabriela Bevacqua. Despliega matices para transitar la
vida de Mireya y pone sus habilidades vocales al servicio de una partitura
expresiva y notable de Ángel Mahler. Todo esto, enmarcado en la cuidada puesta
de Damián Iglesias.
-.-.-.El Espectador Crítico de Musicales.-.-.-
Más información:
Dirección de actores y
puesta en escena: Damián Iglesias
Dirección musical: Ángel
Mahler / Damián Mahler (según la función)
Dirección general: Pepe
Cibrián Campoy
Teatro: Presidente Alvear
(Av. Corrientes 1659)
Duración: 2 horas y 10
minutos (sin intervalo)
Funciones: miércoles a sábado a las 21 hs. y domingo a las 20 hs.
Precio de las entradas: $80,
$100 y $120 // Miércoles (día popular): $50 y $80
Venta online: ctba.globalticket.com.ar/
Producción Ejecutiva: Ángel
Mahler - Julieta Kalik - Santiago Zenobi
Producción Asociada: La Crypta S.A. - Complejo
Teatral Buenos Aires
Prensa y difusión: Alejandro
Veroutis, Alejandro Andolfi y Patricia Brañeiro
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La crítica ya terminó, pero quiero hacer un apartado para
referirme a algo que ocurrió el año pasado. Cibrián quiso responderle a la
crítica del prestigioso diario “La
Nación”, Susana Freire, que había hecho un comentario de El Retrato de Dorian Gray. Más allá de
la disputa, el objetivo de esta mención no es tomar partido, sino publicar como curiosidad la
lista de preguntas que, según Cibrián, sentenció en esa oportunidad que hay que saber responder para demostrar
que uno sabe de musicales y de teatro. Para que sepa que me sometí a ese test,
quiero decirle que yo pude responderlas.
Este es el extracto textual de la respuesta de Cibrián:
“ES SOLO UNA OPINIÓN, TU FUNCIÓN ES ACLARARLO, PARA ESO DEBES SABER
MÚSICA, HABER VISTO 120 MUSICALES.
¿SABES QUIEN ES STEPHEN SONDHEIM?
¿ROGERS Y HAMERSTEIN?
CY COLEMAN
KANDER Y EBB
COLE PORTER (ESE SEGURO SI)
MICHAE BENNET
BERNADETTE PETERS,
MANDY PATIMKIN
JERRY HERMAN
MARY MARTIN
OKLAHOMA
SHOWBOAT
NO NO NANETTE
MARTIN GUERRE
ZERO MOSTEL
¿EL AUTOR DE MAME?
¿LA ACTRIZ QUE LO ESTRENÓ FAMOSISIMA?
¿QUIÉN ESTRENÓ HELLO DOLLY O GIPSY?
SI SABÉS LA MITAD DE LAS RESPUESTAS SABES DE MUSICALES.
PERO SABÉS QUIEN O QUÉ ES
IBSEN
HEDDA GABBLER
EL JARDÍN DE LOS CEREZOS
LOS SIETE LOCOS
ROBERTO ARLT
GOROSTIZA
LORCA
LOPE DE VEGA
DRAGÚN
ART
EL CONVENTILLO DE LA PALOMA
VIRGINIA WOOLF
ALBEE
COSSA
WESKER
LUPPI
DORA BARET
ANA ITELMAN
LA GALVÁN
YO
ANGEL
JUAN RODÓ
EL CERVANTES
LOS ACE
LOS FLORENCIO SANCHEZ
EL LOLA MEMBRIVES
¿POR QUÉ?
PORQUE SABÉS DE TEATRO. DE MUSICALES NO.”
Misteriosa es la sociedad de masas, y su forma de
legitimar hechos artísticos. Extraño es el fenómeno de la trilogía Cincuenta Sombras (2011-2012), que ya
vendió más copias que toda la saga de Harry
Potter (7 libros) en la versión británica de la página Amazon. Estos libros
eróticos gozan de excelentes ventas en todo el mundo, pese a que la crítica
literaria opinó casi unánimemente que estaban mal escritos (algo que
reconocieron incluso quienes no podían parar de leerlos). La escritora E. L.
James comenzó a escribir esta historia en internet, como parte de foros que
aglutinaban ficciones episódicas escritas por fans de la saga literaria Crepúsculo (que, sabemos, no es
precisamente popular por su calidad literaria). Evidentemente, James tuvo
suerte, y supo cubrir un nicho: el de las amas de casa entre 30 y 55 años, y
así surgió el “porno para madres”. Resumiendo, y según uno de los personajes de
la obra, dio vida a protagonistas que “hacen chanchadas sexuales y no paran de
coger”. A su vez, Cincuenta Sombras
inspiró tres parodias musicales que pasaron por EEUU. 50 sombras!, el musical es la versión local de una de ellas (de la
mejor de las obras referidas, por lo que pude ver en videos). Arranca con una
buena idea: mostrar un club de lectura de mujeres que pertenecen target al que apuntan los libros, para
así hablar también del impacto social que tuvieron.
