Crítica de "Cerca del abismo", de Carla Liguori, Javier Raffa, Alejandro Brukman y Agustín Konsol

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Cerca del abismo

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro El Cubo).

Al ingresar en la sala, el espectador se encuentra inmerso en un clima de futuro distópico. Este será el marco para un musical que utiliza esa supuesta distancia para tratar temas tan cercanos como el rol que ocupan los sentimientos en la búsqueda de la felicidad, el modo en que los anhelos determinan la forma de vivir y la relación entre la política, los mandatos sociales y la libertad. Para ello, el libro de Carla Liguori y Javier Raffa recurre a historias paralelas, que transcurren en diversos espacios: un lugar incierto, un país llamado Austerria y el Mundo Superior al que pertenece su clase gobernante. El texto es reflexivo y poético, pero a la vez entretenido y fácil de seguir. Los dramaturgos tienen la capacidad de narrar sin caer en una estructura obvia, y como son conocedores del género saben exactamente cuándo darle espacio a la música o al baile para que la historia se expanda con sus aportes.

Crítica de "Mío! Martita y los Matorrales", de Julieta Carrera, Lucía Bayá Casal y Damián Báez

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Mío! Martita y Los Matorrales

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro El Marechal).

El concepto de "falso recital" ya se ha convertido en una especie de subgénero en sí mismo. Mío! Martita y Los Matorrales es un agradable espectáculo que podría pertenecer a esa clasificación. Por lo tanto, el público debe estar predispuesto a jugar; a creer que está viendo un concierto de una diva de la canción romántica latina: Martita, interpretada por Lucía Bayá Casal. Está actriz incluso se cambiará de ropa a la vista de los espectadores entre cuadro y cuadro sin que se rompa la ilusión. Bayá Casal tiene un manejo clownesco de su cuerpo y su composición de Martita es sumamente histriónica, por momentos caricaturesca. El personaje es algo inocente y verborrágico, tiene muletillas y vicios para hablar, y mantiene una dosis de energía alta. Este último punto se verifica también al cantar, porque Martita se compromete con cada canción y la utiliza como elemento catártico.

Crítica de "Borgia, el musical", de Soledad González Sintas, Mariano Toledo y Maximiliano Spoltore

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Borgia, el musical

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro Del Globo).

Dentro del panorama actual del género, Borgia, el musical es una rareza. Mientras todo tiende a achicarse, este espectáculo tiene cuarenta artistas en escena y dieciséis músicos en el foso. Por supuesto, cantidad no siempre es garantía de calidad, pero detrás de cada apartado de esta obra se percibe un esfuerzo por contar una historia digna, pese a los desajustes que puedan surgir por la ambición del proyecto. El libro de Soledad González Sintas y Mariano Toledo pone especial atención en la relación entre Lucrezia y Diego Borgia, pero no descuida la red periférica de conflictos y personajes. Sorprende al narrar con orden una multiplicidad de situaciones, que hacen que el espectador no pierda interés en el relato. Así y todo, da la sensación de que a la obra le sobran bastantes minutos, y esto se hace más notorio por cierta indefinición en el rumbo y el tono de su primer tramo. Una vez que el texto llega a presentar todos los elementos que sostendrán el devenir de la familia Borgia, puede empezar a fluir de una forma más armónica, e incluso las transiciones entre escena y escena se ven más prolijas.

Crítica de "Las Noches Blancas", de Ariel Gurevich

Categoría: OBRA CON MÚSICA

Crítica de Las Noches Blancas

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (El Cultural San Martín).

Se sabe que hay varias formas de adaptar una historia preexistente al teatro. Ariel Gurevich optó por el camino de los sentimientos para su transposición de la novela Noches blancas, de Fiódor Dostoievski. El resultado es un texto artesanal, en el que lo que se mantienen son las emociones que atraviesa cada personaje, pese al cambio de género de uno de ellos y a la alteración del tiempo y el espacio de los hechos. El devenir del relato es muy simple, y puede resumirse en escasas líneas, pero es el vuelo poético de la dramaturgia el que abre paso a ciertas aristas de estos seres, de otra forma insondables. Una tensión construida a base de sutilezas va marcando el ritmo, de la mano de la dirección de Gurevich. Lo que importa no es el realismo de las situaciones, dado que lo que vemos y escuchamos está siempre tamizado por la subjetividad de sus interlocutores. Así, por momentos narradores privilegiados y por otros participantes de la acción, los protagonistas van entrelazando sus percepciones, pensamientos y pasiones.

Crítica de "Todas las canciones de amor", de Santiago Loza

Categoría: OBRA CON MÚSICA

Crítica de Todas las canciones de amor

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Paseo La Plaza).

Una mujer se prepara para vivir un día emocionalmente agitado, que romperá con su rutina. Recibirá en su casa a su hijo, que hace unos años decidió instalarse en otro país. El planteo es sencillo, pero desde el momento en el que Marilú Marini aparece en escena, su personaje les promete a los espectadores que los llevará “de la mano”. Es que esta madre no se guardará nada de lo que revolotee por su mente en las horas previas al ansiado encuentro, que la tiene particularmente exaltada. Es más, algunas veces pedirá disculpas por el atropello de sus pensamientos, pero parece ser que sólo al compartirlos encuentra la forma de ordenarlos. La dramaturgia de Santiago Loza está plagada de imágenes sensoriales y descripciones puntillosas, dando cuenta del deseo de la protagonista de atesorar cada sensación que la remita a aquel esperado día. Ya sea para hablarnos de los nudos de los pies de su marido o contar cómo debió agacharse para buscar un objeto debajo de un mueble, ella quiere hacernos partícipe de cada detalle, y Loza encuentra las palabras justas para que el texto fluya y estimule nuestra capacidad para imaginar lo que se cuenta. Surgirán anécdotas del pasado y relatos con toques oníricos, y atrás de todo siempre habrá un torrente de sentimientos, transmitidos con suma calidez y maestría por Marilú Marini.

Crítica de "Simple, las canciones que negué amar", de Francisco Pesqueira

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de Simple,

las canciones que negué amar

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro La Comedia).

La cultura estadounidense acuña el término guilty pleasure para hacer referencia al placer acompañado de culpa que brota al exponerse a determinadas series, películas o canciones. Así, hay personas que emplean la frase para catalogar aquel entretenimiento poco pretencioso que les da vergüenza disfrutar, y agregan “Es muy malo, pero me gusta”. Simple, las canciones que negué amar parte de esa misma sensación, y no es casual que Francisco Pesqueira (autor, director e intérprete) afirme que la obra está dedicada a todas las personas que alguna vez han sido discriminadas: las canciones que eligió para su unipersonal también lo fueron.

Crítica de "Bien de familia", de Eugenia Fontana

Categoría: PELÍCULA

Crítica de Bien de familia,

una película musical

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Ciudad Cultural Konex).

¿De qué se trata?: Marcos (Eliseo Barrionuevo) vuelve a su pueblo natal a raíz de la muerte de su padre (Mario Angelomé). Allí, se reúne con sus dos hermanas, Olivia (Delfina Oyuela) y Victoria (Celeste Sanazi), e irrumpirá en su vida Clarisa (Jimena González). Parte del legado paterno involucra a un pequeño tren sobre en que los chicos del lugar solían divertirse, que generará discordia entre los jóvenes.

Bien de familia resulta, a priori, un proyecto llamativo. Desprendido de una tesis realizada para la Universidad de Buenos Aires, el experimento tomó vuelo propio y llegó a presentarse en el reconocido Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La película reúne en pantalla a actores con formación en teatro musical y utiliza canciones originales de Francisco Ruiz Barlett, de sostenida incursión en el género. Como en toda película musical, se presenta como desafío que: a) no parezca una obra filmada, y b) no se perciba como un film en el que se incrustaron un par de videoclips pasatistas. Por suerte, Bien de familia supera estas trabas y brinda un metraje que se disfruta fácilmente, pero que también presenta varios momentos que aprovechan las posibilidades narrativas de lo cinematográfico. Por ejemplo, la secuencia en la que Ernestito (Federico Fernández Wagner) canta acerca de un cazador utiliza una edición fragmentada y acelerada para mostrar otras dos situaciones en paralelo. Sin embargo, allí es la música, con su tempo y su letra, la que le termina integrando el sentido de todo lo que está sucediendo en simultáneo. Otra demostración de cómo lo fílmico puede realzar lo musical se da cuando Úrsula (Lucila Gandolfo), la adivina/bruja del pueblo, interpreta una canción en la que le revela a su sobrina por qué le gusta su profesión. En vez de centrarnos solo el intercambio entre ellas dos, vemos un resumen de los clientes que se acercan al lugar y vuelcan sus preocupaciones, quedando el diálogo entre las parientes como una suerte de sound flow musical. De esta forma, se evidencia una cuidadosa planificación por parte de la directora, Eugenia Fontana, quien utilizó principalmente las canciones de Ruiz Barlett para meterse en el plano subjetivo de los personajes. De hecho, las melodías pop contrastan con la tranquilidad que caracteriza al pueblo bonaerense Alberti, que está bellamente retratado (cualquiera que haya ido a un lugar semejante conoce sus reglas y sus tiempos… y sus siestas).

Crítica de "Aquí NO podemos hacerlo", de Pepe Cibrián Campoy y Luis María Serra

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Aquí NO podemos hacerlo

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2016 (Teatro El Cubo)

Nivel: 7 /8

¿De qué se trata?:  Rodolfo, un dramaturgo y director busca montar un musical, pero no puede conseguir el apoyo necesario. No obstante, decide convocar a una serie de intérpretes para convencerlos de que se sumen al proyecto.

El punto fuerte de la obra: las coreografías de Nicolás Pérez Costa.

Cuando se trata de musicales sobre audiciones, el punto de referencia indiscutible es A Chorus Line, que se estrenó en Broadway en 1975. Tres años más tarde, subía a escena en Buenos Aires Aquí no podemos hacerlo, una obra que también indaga en el proceso previo a la conformación del elenco de un musical, pero que pone de manifiesto problemáticas diferentes. Treinta y ocho años después, sigue siendo una pieza fundamental para comprender las bases del teatro musical argentino. Por eso, el primer acierto de esta quinta versión (en esta oportunidad dirigida por Nicolás Pérez Costa) es haber decidido que la historia transcurriera en 1978. Esto se nota apenas se ve el vestuario de Flor Blejer, que irrumpe con todo su colorido en la primera escena, llenando un escenario despojado. De esta forma, se fuerza al propio espectador a trasladarse del pasado al presente para que él mismo evalúe qué planteos siguen vigentes (una pista: son muchos).

Crítica de "Los Monstruos", de Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Los Monstruos

Proyecto ganador de la Bienal de Arte Joven en la categoría de musical

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Picadero)

Nivel: 7.5 /8

¿De qué se trata?: Claudio y Sandra son dos padres que no se conocen, pero sus hijos tienen algo en común: acaban de entrar al mismo colegio y sufren de ciertos problemas de adaptación.

Todos tuvimos padres en algún momento. Sin embargo, en nuestra infancia probablemente no tomábamos dimensión de lo que implicaba asumir ese rol, lleno de miedos y responsabilidades. A este universo nos quiere llevar Los Monstruos, para repensar cómo repercuten las acciones de los padres sobre una etapa tan frágil como la niñez. Todo esto, a través de la historia de Claudio y Sandra, quienes se conocen fortuitamente y descubren que sus respectivos hijos acaban de ser admitidos en el mismo colegio. Los chicos tienen algunas dificultades para adaptarse a la institución, y la obra irá siguiendo los esfuerzos de los protagonistas por afrontar esta realidad.

Emiliano Dionisi, director y dramaturgo de la propuesta, decidió exponer a estos dos personajes durante todo el espectáculo, dado que los actores nunca salen del cuadrilátero que delimita la escenografía. En definitiva, nadie puede escapar del rol de padre o madre, y de la dependencia que genera el tener a otra persona completamente a cargo. Por eso, Dionisi acertó al considerar que no necesitamos ver a los hijos en escena para saber que están presentes. Entonces, el libro se convierte en un ejercicio interesante para los intérpretes: deben construir vínculos profundos a través del diálogo con chicos que tanto ellos como el público tienen que imaginar.

En ese sentido, tanto Natalia Cociuffo como Mariano Chiesa brindan los mejores trabajos de sus carreras. Desde la soltura para la comedia hasta el compromiso para la entrega visceral, estas criaturas los hacen atravesar matices muy atractivos. Además, el texto los tiñe de verosimilitud, porque aborda situaciones cotidianas fácilmente identificables y sentimientos universales, y lo hace sin recurrir a demasiado lirismo. Gracias al manejo de las inflexiones vocales y de la expresión corporal, los actores delinean el contexto en el que se ven inmiscuidos (y, ocasionalmente, representan a los personajes infantiles con notable ductilidad). También es crucial para marcar las transiciones el diseño de iluminación de Claudio del Bianco. A Claudio y a Sandra los vemos siempre muy cerca, pero pocas veces interactúan, sino que sus historias se desarrollan en forma paralela. Tal vez sean incapaces de ver lo que sucede a su alrededor, encerrados en su propia visión sobre sus hijos. Con el correr de escenas que muestran charlas con la directora del colegio, berrinches o un cumpleaños en un pelotero, se va revelando la personalidad de los padres, junto con monólogos que nos transportan a su mente.

Pero cuando la obra realmente quiere penetrar en la esencia y las sombras de estos seres es cuando surge la música de Martín Rodríguez. Las melodías, cambiantes y bellas, encajan perfectamente con las letras y con los sentimientos que se quiere transmitir, enriqueciendo la composición de los personajes. Los músicos en vivo acompañan sincrónicamente el vigor de los intérpretes y sus idas y vueltas emocionales. El resultado de esta mixtura son momentos musicales de pura pasión y vuelo estético. Solos como “Equipo ganador” y “¿Por qué a mamá?” resultan desgarradores.

Algunos espectadores objetarán que hay situaciones hacia el final que atentan levemente contra la verosimilitud precedente, pero lo central es el contundente simbolismo que conllevan. En definitiva, es difícil no empatizar con esta obra surgida de la Bienal de Arte Joven, que prueba las nuevas generaciones pueden realizar trabajos de gran calidad.

Más información:

Teatro: El Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857)

Funciones: quedan 3 funciones (miércoles 2/12 y 9/12 a las 20:30 hs. y, como función especial, el domingo 6/12 a las 20:30 hs.)

Precio de las entradas: $120

Duración: 1 hora y 40 minutos

Dirección general y dramaturgia: Emiliano Dionisi

Dirección musical: Martín Rodríguez

Intérpretes: Natalia Cociuffo y Mariano Chiesa

Músicos en vivo: Juan Pablo Schapira (teclado y guitarra electroacústica), Matías Menárguez (batería), Martín Rodríguez (guitarra) y Gianluca Bonfanti Mele (bajo)

Directores asistentes: Juan José Barocelli y Julia Gárriz

Diseño de iluminación: Claudio del Bianco

Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra y Compañía Criolla

Fotografía Akira Patiño

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Compañía Criolla

Asesor de arte en fotos y vestuario: Ezequiel Galeano

Asistencia de iluminación: Martín Fernández Paponi

Agencia de prensa: Bienal de Arte Joven / Tommy Pashkus
Fotos: www.fb.com/Los-Monstruos-117571068588835/

Crítica de "Desbocado", de Leandro Gazzia

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de Desbocado

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Chacarerean Teatre)

Nivel: 6.5 /8

¿De qué se trata?: Tributo al café concert irreverente, del que formaron parte Enrique Pinti, Carlos Perciavalle, Edda Díaz, Antonio Gasalla, Nacha Guevara y Alberto Favero.

“Volveremos a tener el corazón / el mismo que perdimos al sur del paredón”, canta Leandro Gazzia al comienzo Desbocado, y resume con esos versos el tono que tendrá su unipersonal: por un lado, una mirada crítica y ácida de nuestro país; por el otro, un profundo sentimiento de esperanza. Este era el espíritu del café concert, que surgió en Argentina entre fines de los años 60 y principios de los 70, de la mano de artistas como Carlos Perciavalle, Antonio Gasalla, Enrique Pinti y Nacha Guevara. Gazzia se propone homenajear al género y a sus exponentes, y lo hace con nostalgia y respeto.

Crítica de "Burlesque al Cubo", de Nicolás Pérez Costa

Categoría: MUSIC HALL

Crítica de Burlesque al Cubo,

certamen de talentos

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro El Cubo)

Nivel: 6 /8

¿De qué se trata?: Los dueños de un teatro en quiebra hacen su último intento por salvarlo, convocando a sus antiguas amantes, ahora grandes estrellas, para montar un espectáculo que aseguran será un éxito. Esta será la excusa para transportarnos a un burlesque contemporáneo, donde se jugará con lo que ocurre delante y detrás de escena y además se llevará a cabo un verdadero certamen de talentos (a modo de reality show teatral).

El punto fuerte de la obra: Gabriela Bevacqua.

Siempre es interesante toparse con un espectáculo distinto de todo lo que uno ha visto. Seguramente, esto represente Burlesque al Cubo para la mayoría de los espectadores. Difícil de encasillar y ecléctico, resulta una propuesta original (incluso, distinta de una versión anterior que se había presentado con el mismo título). Tratemos de explicar un poco cuál es el espíritu de este music hall.

 Todo comienza a partir de una anécdota deliberadamente simple: los dos dueños de un teatro al borde de la quiebra deciden convocar a sus antiguas amantes para montar un show que reviva sus épocas de esplendor y atraiga inversores. Cada uno le envía la invitación a dos mujeres y, por supuesto, cuando todos se reúnan no faltarán desplantes, enredos y discusiones. Si esperan que esta historia tenga un desarrollo tradicional, saldrán decepcionados, porque este punto de partida no es más que un hilo conductor que le sirve de base a todo lo demás.

Crítica de "Melodías de Diván", de Gastón Marioni

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Melodías de Diván

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Picadilly)

Nivel: 6.5 /8

¿De qué se trata?: Bárbara, Elena, Verónica, Sara y Raquel son cinco mujeres carentes, que buscan. Todas ellas han perdido algo muy valioso, una falta que las congeló en el tiempo. La causalidad las reúne; la cita es un encuentro fortuito y renovador, con un diván de testigo. Será Bárbara, una psicóloga especializada en psicodrama, quien una las historias.

El punto fuerte de la obra: Magalí Sánchez Alleno.

Cada tanto aparecen en la nutrida escena porteña sorpresas como Melodías de diván, una obra sin demasiadas pretensiones, pero altamente efectiva. Este espectáculo se inscribe en la tendencia de trasladar el diván a escena (como el exitazo TOC TOC o la reciente Bajo terapia, o incluso la incursión teatral del Lic. Gabriel Rolón con Historias de diván). Sin embargo, las pautas son distintas: el foco no está puesto ni en la comedia y mucho menos en lo estrictamente psicológico (que, de hecho, no tiene gran relevancia en la trama y aparece como  mero disparador para plantear otros temas). Melodías de diván es una especie de melodrama de suspenso, con dosis de humor y, por supuesto, música. Fue escrito y dirigido por el platense Gastón Marioni (artífice de Tanguito Mío, un sublime musical infantil).

Crítica de "SpangTrash", de Judith Cabral y Matías Puricelli

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de SpangTrash

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (La Pausa Teatral)

Nivel: 7 /8

¿De qué se trata?: Obra con canciones pop contemporáneas. Una noche de resaca, Jey (Judith Cabral) queda encerrada accidentalmente en el baño de su casa… encierro que será también puerta a la libertad. Un recorrido pop por el desamor y la búsqueda de identidad. ¿Quién no le contó en el baño a sus fantasmas y tristezas? A veces necesitamos encerrarnos para conocer lo más profundo de nuestro ser.

“Just a second we’re not broken just bent

and we can learn to love again”

SpangTrash nos presenta una separación amorosa en tiempos de los celulares, las playlists, el streaming y el shuffle y demás. Es, a su vez, el retrato de una cultura y del paso de la niñez a la adultez (reflejado en un cambio de perspectiva respecto del prince charming arquetípico de las películas de Disney). Pero todo esto se expone en la dramaturgia con deliberada mesura, porque las protagonistas son las canciones, y son ellas las que van hilvanando los sentimientos de la protagonista y modificando su forma de pensar. En realidad, las letras se convierten en pensamiento, vuelven a la consciencia pero son resignificadas en el contexto que atraviesa Jey. Ya no son simple entretenimiento, sino que operan enérgicamente en la vida de esta mujer (la cultura se asimila y se convierte en acción). Es por esto que, por más que puede no haber sido planteada así, sostengo que SpangTrash termina siendo una historia sobre el poder sanador del arte. El show evolucionó del simple recital que podría haber sido para mostrar un costado catártico de la música. Y la catarsis fue una función constante de este arte a lo largo de las décadas, tal como lo fue para una deprimida Bridget Jones (a quien se hace referencia en la obra). Pese a que Jey quiere superar sus frustraciones con alcohol, es la música la que surge y le hace ver las cosas de otra manera, enfrentándola con una sociedad moderna estereotipada y a la que le cuesta madurar.

Crítica de "Siempre quise ser Bette Davis", de Fernando Albinarrate

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de Siempre quise ser Bette Davis

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Molière Teatro)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: “Unipersonal que cuenta la historia de Flora Consuelo Gutiérrez, quien desde niña y por una profunda admiración y forzada empatía con Bette Davis, intenta una y otra vez una carrera como actriz”. - Comedia

“Nunca acepté órdenes de nadie. Mientras viva, nunca aceptaré órdenes de nadie. Soy joven y fuerte y nada puede afectarme”, dice Judith, el personaje de Bette Davis en la película Amarga Victoria (1939). En ese film, Davis tiene un tumor y pierde la visión, y esto resulta más trágico cuando es contado a través de sus enormes ojos. Muchos hemos visto alguna vez a la eterna sufriente de los dramas románticos de Hollywood de los años 30 y 40, pese a no haber sido contemporáneos a sus años de estrellato. Bette Davis es un ícono, como lo son su carácter y su cigarrillo. Y resulta que, como todo ícono, suscitó (y suscita) admiración en sus fans. Siempre quise ser Bette Davis parte de la historia de una de sus admiradoras, pero es mucho más que eso.  

Crítica de "Esa Palabra", de Manuela Perin y Lautaro Metral

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Esa Palabra

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (El Método Kairós-Función única)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: Una mujer reflexiona sobre su presente durante un vuelo de avión en el que recibe una noticia sorpresiva. Lo hace a través de canciones en italiano, inglés y castellano.

Original premisa la que se le ocurrió a Manuela Perin: situar un musical en un avión. Como antecedente, solo se me ocurre una escena de Tell Me On A Sunday (de Andrew Lloyd Webber y Don Black), con una canción en la que se habla del vuelo como un “refugio”. En un pasaje, la letra remarca “Por ocho horas enteras mi vida no está en mis manos”, y esta idea nos puede servir como puntapié para adentrarnos en Esa Palabra. Básicamente, porque en este espectáculo compartimos el viaje con una mujer cuya vida ha dado un vuelco, y el destino parece someterla a encontrar una respuesta a sus preocupaciones antes de aterrizar (el concepto del avión como espacio catártico tiene su refuerzo en el uso de la voz en off). Así, a la protagonista no le queda otra alternativa que hacerse planteos en ese espacio tan lejano y aislado, pero tan propicio para las revelaciones.

En espejo con el viaje en tres escalas de Manuela, yo también estructuraré el resto de esta crítica en tres escalas.

Crítica de "Eres Maravillosa", de Laura Manzini y Héctor Presa

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Eres Maravillosa

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Molière Teatro)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: En los prolegómenos del estreno del “mejor papel de su carrera” (por fin logra el protagónico en un gran musical americano), una actriz se confiesa en su camarín y reflexiona, tanto de manera descarnada como con humor, sarcasmo, y un cierto dejo de tristeza, acerca de los avatares de su vida y de las frustraciones provocadas por su profesión. A lo largo del relato, se podrán escuchar magistrales interpretaciones de canciones de musicales, hasta llegar a un final sorpresivo.

Héctor Presa es una de las personas que ha defendido con más constancia el teatro musical. Como director del grupo “La Galera Encantada” (creado en 1978), fue moldeando un estilo propio a través de los años y, a su vez, diversificando los tópicos de sus obras (primero para niños y luego también para adultos). En Eres Maravillosa, comparte la autoría del libro con Laura Manzini. Uno de los recursos que el texto utiliza para darle dinamismo a este unipersonal musical es generar focos de interacción que son internos a la escena, para que el personaje de Manzini pueda estar contándole la historia a alguien sin hablarle directamente al público. Estos focos son la voz en off de Omar Calicchio (una suerte de Stage Manager) y, principalmente, un gato blanco de peluche a quien la protagonista le confiesa sus pensamientos y emociones (sus nervios, su alegría, sus recuerdos…). Por supuesto, el gato se comporta solo como receptor. Tomando esta idea, decidí yo también crear un foco de interacción y escribir una ‘crítica epistolar’, simulando que esta forma parte de una carta dirigida por alguien a un actor en la lucha.

*Acompañan la carta fotos de distintos musicales.

Crítica de "Daliniana", de Mariano Taccagni y Gaspar Scabuzzo

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Daliniana

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (El Método Kairós)

Nivel: 6.5 /8 

  

¿De qué se trata?: “No es una biografía de Salvador Dalí. Tampoco representa una oda a su obra. Es una visita a su cerebro, a su imaginación ilimitada. Un paseo por el derrotero fantástico, surrealista, desgarrado de su cosmovisión artística, de su genio”.

El punto fuerte de la obra: la dirección de Mariano Taccagni.

Se le atribuye a Salvador Dalí la frase “La única diferencia entre un loco y yo es que el loco cree que no lo está, mientras yo sé que lo estoy”. Si algo me quedó grabado de lo que aprendí en la facultad sobre este pintor es su método paranoico-crítico, por el que simulaba un estado de locura para intentar ver las cosas como las vería un demente. A su vez, pretendía entrar en estado alfa a través del automatismo psíquico (por ejemplo, se acostaba en un sillón con una cuchara en la mano, para que lo despertara al caerse). Todo esto le permitía coquetear con el subconsciente, ese costado humano enigmático y a veces temible, como todo lo que no se puede domar. Justamente, el movimiento del surrealismo hace referencia a lo que subyace a lo real. A mi entender, Daliniana es un musical conceptual, porque no nos quiere mostrar un período en la vida del artista, sino que intenta adentrarnos en ese mundo retorcido e indeterminado que está más allá del estado de consciencia, pero a través de la mismísima psique de Dalí. Y lo más interesante es que lo logra.

Se estrena "Todo Piola", de Gustavo Tarrío y Guadalupe Otheguy

Categoría: OBRA CON CANCIONES

Se estrena Todo Piola

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro del Abasto)

  

Por el momento, no voy a poder asistir a esta obra y redactar la crítica. Sin embargo, no quería dejar de publicar la información central que concierne a este original experimento teatral. Todo piola está dirigida por Gustavo Tarrío (que tiene experiencia en teatro, cine y TV) y cuenta con las actuaciones de Eddy García, Carla Di Grazia (una bailarina que viene de realizar un trabajo impresionante en La Wagner) y Guadalupe Otheguy (que aporta sus canciones). El estreno será el viernes 20 de febrero.