Crítica de Disney La Caja Mágica, de Thaddeus McWhinnie Phillips

Crítica de Disney La Caja Mágica

De Thaddeus McWhinnie Phillips con canciones de películas de Disney

Estreno mundial en Argentina

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2024 (Teatro Ópera).

Si hacemos el ejercicio de intentar encasillar este espectáculo, Disney La Caja Mágica puede ubicarse dentro del género "revue". Seguimos a una protagonista a través de un viaje conceptual que pasa revista por diferentes épocas de Disney entremezcladas, pero con cuadros musicales agrupados por temática o tono. En realidad, no se trata de números aislados sino de mashups que generan un fluir continuo (no hay textos hablados). Esto permite jugar musicalmente con la misma sorpresa que el planteo escénico: no saber qué puede surgir, dejarse sorprender por esa “magia” a la que alude el título. Es interesante (y disruptivo respecto de otras antologías de Disney) el hecho de que no veamos a los personajes en sí, sino a una troupe dejándose atravesar por esos 100 años de personajes e historias. Esto está evidenciado frente al espectador y es un efecto buscado (por ejemplo, identificamos a los mismos intérpretes que venimos siguiendo a lo largo de la obra transformándose en algún personaje a través de algún detalle de vestuario que hace referencia a él o ella y, por supuesto, de su corporalidad). Así, el recorrido de la protagonista busca ser un espejo para el público, reflejando en su experiencia lúdica lo que el espectador puede haber vivido de la mano de esas u otras historias.

Se agradece una puesta repleta de ideas (una detrás de la otra, sin respiro), sobre todo cuando toma caminos más poéticos. Inevitablemente conviven con breves tramos de literalidad o donde se siente que la obra cumple con no dejar afuera aquello que "no puede faltar", tratando de leer al público. El devenir del show cautiva a todas las edades, nunca decae y los recursos técnicos son impresionantes (un diseño de luces que destaca no solo por su alto nivel de complejidad sino por sus implicancias artísticas, acompañado por mapping, proyecciones, sonido envolvente, títeres, influencia del teatro negro, objetos inflables, trucos y el juego con objetos que se convierten en otros y espacios que se reconfiguran). La coreografía está a la altura del desafío de hacer desfilar todo este abanico de mundos mágicos tanto de forma vistosa como narrativa, porque al no mediar la palabra hablada es fundamental para sostener el desarrollo de cada cuadro.

La orquesta (que interpreta mashups de 70 canciones creando paisajes sonoros que hacen brotar personajes y lugares aunque no estés presentes) y el elenco son de excelencia. Un orgullo ver a estos talentosos intérpretes juntos después de haber recorrido muchos musicales durante los últimos años. Demasiado injusto resaltar a algunos, pero hay que mencionar a Luján Blaksley adueñándose de un protagónico que la hace moverse de un lado al otro y mantiene su gran nivel vocal. Dejo postales que me quedaron, por nombrar algunas: la energía y precisión de Giuli Tagliamonte y Achu Mazzeo en las coreografías (y el solo de Achu, demostrando que esta producción puede hacer lucir algo chiquito dentro de su grandilocuencia), la voz poderosa de Sofía Val, el carisma de David Okada en múltiples intervenciones y el disfrute de Nico Esquivel durante el número de tap en el estudio de animación. Ah, y Lucía Adúriz reconfirma que puede hacer todo.

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FEVER en asociación con Disney Theatrical Group presenta Una co-producción con RGB

Guionista y Director: Thaddeus McWhinnie Phillips

Co-Directora & Coreógrafa: Lynne Kurdziel Formato

Director Musical, Arreglista y Orquestador: Isaac Saúl

Productor General para Disney Theatrical Group: Felipe Gamba Paredes

Elenco (en orden alfabético): Lucía Adúriz, Sol Bardi, Luján Blaksley, Menelik Cambiaso, Jesus Catalino, Pato De Luca, Nico Esquivel, Elis Garcia, Delfi García Escudero, Santiago Leguizamo, Lala Livschitz, Tomi Luna, Yosy Machado, Nicolás Martínez, Azul “Achu” Mazzeo, David Okada Caldas, Lucía Perdigon, Morena Pereyra, Nico Repetto, Mica Romano, Romina Ruíz, Guido Savino, Giuli Tagliamonte, Santiago Trione, Sofia Val & Mauricio Vila

Traducción y Adaptación: Marcelo Kotliar

Director & Coreógrafo Residente: Alejandro Ibarra

Director Musical Residente y de Orquesta: Gaspar Scabuzzo

Diseño de Iluminación: David Seldes

Diseño de Vestuario: Nthabiseng Malaka & Sofía Di Nunzio

Diseño de Escenografía: Thaddeus McWhinnie Phillips & Tato Fernández

Diseño de Puppets: Michael Curry

Diseño de Sonido: Gastón Briski

Diseño de Pelucas y Maquillaje: Feliciano San Román

Diseño de Proyecciones: Maxi Vecco

Diseño de Utilería y Objetos Animados: Johanna Wilhelm

Diseño de Ilusiones: Steve Cuiffo

Crítica de "Jekyll & Hyde" (versión argentina)

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Jekyll & Hyde

De Leslie Bricusse y Frank Wildhorn

(Estrenada en Broadway en 1997)

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2017(Teatro Metropolitan Cit).

¿De qué se trata?: En Londres, el doctor Henry Jekyll, en su búsqueda de una sociedad perfecta, quiere ser capaz de anular la parte negativa de todo ser humano. Pide autorización para experimentar con los enfermos mentales de un psiquiátrico, pero es criticado y rechazado por sus colegas doctores. Su obsesión lo lleva a experimentar en él mismo, desatando accidentalmente sus demonios internos y liberando al otro hombre, que el mundo conocería como Edward Hyde.

Crítica de "Cerca del abismo", de Carla Liguori, Javier Raffa, Alejandro Brukman y Agustín Konsol

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Cerca del abismo

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro El Cubo).

Al ingresar en la sala, el espectador se encuentra inmerso en un clima de futuro distópico. Este será el marco para un musical que utiliza esa supuesta distancia para tratar temas tan cercanos como el rol que ocupan los sentimientos en la búsqueda de la felicidad, el modo en que los anhelos determinan la forma de vivir y la relación entre la política, los mandatos sociales y la libertad. Para ello, el libro de Carla Liguori y Javier Raffa recurre a historias paralelas, que transcurren en diversos espacios: un lugar incierto, un país llamado Austerria y el Mundo Superior al que pertenece su clase gobernante. El texto es reflexivo y poético, pero a la vez entretenido y fácil de seguir. Los dramaturgos tienen la capacidad de narrar sin caer en una estructura obvia, y como son conocedores del género saben exactamente cuándo darle espacio a la música o al baile para que la historia se expanda con sus aportes.

Crítica de "Mío! Martita y los Matorrales", de Julieta Carrera, Lucía Bayá Casal y Damián Báez

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Mío! Martita y Los Matorrales

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro El Marechal).

El concepto de "falso recital" ya se ha convertido en una especie de subgénero en sí mismo. Mío! Martita y Los Matorrales es un agradable espectáculo que podría pertenecer a esa clasificación. Por lo tanto, el público debe estar predispuesto a jugar; a creer que está viendo un concierto de una diva de la canción romántica latina: Martita, interpretada por Lucía Bayá Casal. Está actriz incluso se cambiará de ropa a la vista de los espectadores entre cuadro y cuadro sin que se rompa la ilusión. Bayá Casal tiene un manejo clownesco de su cuerpo y su composición de Martita es sumamente histriónica, por momentos caricaturesca. El personaje es algo inocente y verborrágico, tiene muletillas y vicios para hablar, y mantiene una dosis de energía alta. Este último punto se verifica también al cantar, porque Martita se compromete con cada canción y la utiliza como elemento catártico.

Crítica de "Borgia, el musical", de Soledad González Sintas, Mariano Toledo y Maximiliano Spoltore

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Borgia, el musical

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Teatro Del Globo).

Dentro del panorama actual del género, Borgia, el musical es una rareza. Mientras todo tiende a achicarse, este espectáculo tiene cuarenta artistas en escena y dieciséis músicos en el foso. Por supuesto, cantidad no siempre es garantía de calidad, pero detrás de cada apartado de esta obra se percibe un esfuerzo por contar una historia digna, pese a los desajustes que puedan surgir por la ambición del proyecto. El libro de Soledad González Sintas y Mariano Toledo pone especial atención en la relación entre Lucrezia y Diego Borgia, pero no descuida la red periférica de conflictos y personajes. Sorprende al narrar con orden una multiplicidad de situaciones, que hacen que el espectador no pierda interés en el relato. Así y todo, da la sensación de que a la obra le sobran bastantes minutos, y esto se hace más notorio por cierta indefinición en el rumbo y el tono de su primer tramo. Una vez que el texto llega a presentar todos los elementos que sostendrán el devenir de la familia Borgia, puede empezar a fluir de una forma más armónica, e incluso las transiciones entre escena y escena se ven más prolijas.