Crítica de "Bien de familia", de Eugenia Fontana

Categoría: PELÍCULA

Crítica de Bien de familia,

una película musical

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2016 (Ciudad Cultural Konex).

¿De qué se trata?: Marcos (Eliseo Barrionuevo) vuelve a su pueblo natal a raíz de la muerte de su padre (Mario Angelomé). Allí, se reúne con sus dos hermanas, Olivia (Delfina Oyuela) y Victoria (Celeste Sanazi), e irrumpirá en su vida Clarisa (Jimena González). Parte del legado paterno involucra a un pequeño tren sobre en que los chicos del lugar solían divertirse, que generará discordia entre los jóvenes.

Bien de familia resulta, a priori, un proyecto llamativo. Desprendido de una tesis realizada para la Universidad de Buenos Aires, el experimento tomó vuelo propio y llegó a presentarse en el reconocido Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La película reúne en pantalla a actores con formación en teatro musical y utiliza canciones originales de Francisco Ruiz Barlett, de sostenida incursión en el género. Como en toda película musical, se presenta como desafío que: a) no parezca una obra filmada, y b) no se perciba como un film en el que se incrustaron un par de videoclips pasatistas. Por suerte, Bien de familia supera estas trabas y brinda un metraje que se disfruta fácilmente, pero que también presenta varios momentos que aprovechan las posibilidades narrativas de lo cinematográfico. Por ejemplo, la secuencia en la que Ernestito (Federico Fernández Wagner) canta acerca de un cazador utiliza una edición fragmentada y acelerada para mostrar otras dos situaciones en paralelo. Sin embargo, allí es la música, con su tempo y su letra, la que le termina integrando el sentido de todo lo que está sucediendo en simultáneo. Otra demostración de cómo lo fílmico puede realzar lo musical se da cuando Úrsula (Lucila Gandolfo), la adivina/bruja del pueblo, interpreta una canción en la que le revela a su sobrina por qué le gusta su profesión. En vez de centrarnos solo el intercambio entre ellas dos, vemos un resumen de los clientes que se acercan al lugar y vuelcan sus preocupaciones, quedando el diálogo entre las parientes como una suerte de sound flow musical. De esta forma, se evidencia una cuidadosa planificación por parte de la directora, Eugenia Fontana, quien utilizó principalmente las canciones de Ruiz Barlett para meterse en el plano subjetivo de los personajes. De hecho, las melodías pop contrastan con la tranquilidad que caracteriza al pueblo bonaerense Alberti, que está bellamente retratado (cualquiera que haya ido a un lugar semejante conoce sus reglas y sus tiempos… y sus siestas).

Crítica de "Aquí NO podemos hacerlo", de Pepe Cibrián Campoy y Luis María Serra

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Aquí NO podemos hacerlo

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2016 (Teatro El Cubo)

Nivel: 7 /8

¿De qué se trata?:  Rodolfo, un dramaturgo y director busca montar un musical, pero no puede conseguir el apoyo necesario. No obstante, decide convocar a una serie de intérpretes para convencerlos de que se sumen al proyecto.

El punto fuerte de la obra: las coreografías de Nicolás Pérez Costa.

Cuando se trata de musicales sobre audiciones, el punto de referencia indiscutible es A Chorus Line, que se estrenó en Broadway en 1975. Tres años más tarde, subía a escena en Buenos Aires Aquí no podemos hacerlo, una obra que también indaga en el proceso previo a la conformación del elenco de un musical, pero que pone de manifiesto problemáticas diferentes. Treinta y ocho años después, sigue siendo una pieza fundamental para comprender las bases del teatro musical argentino. Por eso, el primer acierto de esta quinta versión (en esta oportunidad dirigida por Nicolás Pérez Costa) es haber decidido que la historia transcurriera en 1978. Esto se nota apenas se ve el vestuario de Flor Blejer, que irrumpe con todo su colorido en la primera escena, llenando un escenario despojado. De esta forma, se fuerza al propio espectador a trasladarse del pasado al presente para que él mismo evalúe qué planteos siguen vigentes (una pista: son muchos).

Crítica de "Los Monstruos", de Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Los Monstruos

Proyecto ganador de la Bienal de Arte Joven en la categoría de musical

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro Picadero)

Nivel: 7.5 /8

¿De qué se trata?: Claudio y Sandra son dos padres que no se conocen, pero sus hijos tienen algo en común: acaban de entrar al mismo colegio y sufren de ciertos problemas de adaptación.

Todos tuvimos padres en algún momento. Sin embargo, en nuestra infancia probablemente no tomábamos dimensión de lo que implicaba asumir ese rol, lleno de miedos y responsabilidades. A este universo nos quiere llevar Los Monstruos, para repensar cómo repercuten las acciones de los padres sobre una etapa tan frágil como la niñez. Todo esto, a través de la historia de Claudio y Sandra, quienes se conocen fortuitamente y descubren que sus respectivos hijos acaban de ser admitidos en el mismo colegio. Los chicos tienen algunas dificultades para adaptarse a la institución, y la obra irá siguiendo los esfuerzos de los protagonistas por afrontar esta realidad.

Emiliano Dionisi, director y dramaturgo de la propuesta, decidió exponer a estos dos personajes durante todo el espectáculo, dado que los actores nunca salen del cuadrilátero que delimita la escenografía. En definitiva, nadie puede escapar del rol de padre o madre, y de la dependencia que genera el tener a otra persona completamente a cargo. Por eso, Dionisi acertó al considerar que no necesitamos ver a los hijos en escena para saber que están presentes. Entonces, el libro se convierte en un ejercicio interesante para los intérpretes: deben construir vínculos profundos a través del diálogo con chicos que tanto ellos como el público tienen que imaginar.

En ese sentido, tanto Natalia Cociuffo como Mariano Chiesa brindan los mejores trabajos de sus carreras. Desde la soltura para la comedia hasta el compromiso para la entrega visceral, estas criaturas los hacen atravesar matices muy atractivos. Además, el texto los tiñe de verosimilitud, porque aborda situaciones cotidianas fácilmente identificables y sentimientos universales, y lo hace sin recurrir a demasiado lirismo. Gracias al manejo de las inflexiones vocales y de la expresión corporal, los actores delinean el contexto en el que se ven inmiscuidos (y, ocasionalmente, representan a los personajes infantiles con notable ductilidad). También es crucial para marcar las transiciones el diseño de iluminación de Claudio del Bianco. A Claudio y a Sandra los vemos siempre muy cerca, pero pocas veces interactúan, sino que sus historias se desarrollan en forma paralela. Tal vez sean incapaces de ver lo que sucede a su alrededor, encerrados en su propia visión sobre sus hijos. Con el correr de escenas que muestran charlas con la directora del colegio, berrinches o un cumpleaños en un pelotero, se va revelando la personalidad de los padres, junto con monólogos que nos transportan a su mente.

Pero cuando la obra realmente quiere penetrar en la esencia y las sombras de estos seres es cuando surge la música de Martín Rodríguez. Las melodías, cambiantes y bellas, encajan perfectamente con las letras y con los sentimientos que se quiere transmitir, enriqueciendo la composición de los personajes. Los músicos en vivo acompañan sincrónicamente el vigor de los intérpretes y sus idas y vueltas emocionales. El resultado de esta mixtura son momentos musicales de pura pasión y vuelo estético. Solos como “Equipo ganador” y “¿Por qué a mamá?” resultan desgarradores.

Algunos espectadores objetarán que hay situaciones hacia el final que atentan levemente contra la verosimilitud precedente, pero lo central es el contundente simbolismo que conllevan. En definitiva, es difícil no empatizar con esta obra surgida de la Bienal de Arte Joven, que prueba las nuevas generaciones pueden realizar trabajos de gran calidad.

Más información:

Teatro: El Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857)

Funciones: quedan 3 funciones (miércoles 2/12 y 9/12 a las 20:30 hs. y, como función especial, el domingo 6/12 a las 20:30 hs.)

Precio de las entradas: $120

Duración: 1 hora y 40 minutos

Dirección general y dramaturgia: Emiliano Dionisi

Dirección musical: Martín Rodríguez

Intérpretes: Natalia Cociuffo y Mariano Chiesa

Músicos en vivo: Juan Pablo Schapira (teclado y guitarra electroacústica), Matías Menárguez (batería), Martín Rodríguez (guitarra) y Gianluca Bonfanti Mele (bajo)

Directores asistentes: Juan José Barocelli y Julia Gárriz

Diseño de iluminación: Claudio del Bianco

Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra y Compañía Criolla

Fotografía Akira Patiño

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Compañía Criolla

Asesor de arte en fotos y vestuario: Ezequiel Galeano

Asistencia de iluminación: Martín Fernández Paponi

Agencia de prensa: Bienal de Arte Joven / Tommy Pashkus
Fotos: www.fb.com/Los-Monstruos-117571068588835/

Crítica de "Siempre quise ser Bette Davis", de Fernando Albinarrate

Categoría: UNIPERSONAL MUSICAL

Crítica de Siempre quise ser Bette Davis

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Molière Teatro)

Nivel: 6.5 /8 

¿De qué se trata?: “Unipersonal que cuenta la historia de Flora Consuelo Gutiérrez, quien desde niña y por una profunda admiración y forzada empatía con Bette Davis, intenta una y otra vez una carrera como actriz”. - Comedia

“Nunca acepté órdenes de nadie. Mientras viva, nunca aceptaré órdenes de nadie. Soy joven y fuerte y nada puede afectarme”, dice Judith, el personaje de Bette Davis en la película Amarga Victoria (1939). En ese film, Davis tiene un tumor y pierde la visión, y esto resulta más trágico cuando es contado a través de sus enormes ojos. Muchos hemos visto alguna vez a la eterna sufriente de los dramas románticos de Hollywood de los años 30 y 40, pese a no haber sido contemporáneos a sus años de estrellato. Bette Davis es un ícono, como lo son su carácter y su cigarrillo. Y resulta que, como todo ícono, suscitó (y suscita) admiración en sus fans. Siempre quise ser Bette Davis parte de la historia de una de sus admiradoras, pero es mucho más que eso.  

Crítica de "Daliniana", de Mariano Taccagni y Gaspar Scabuzzo

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Daliniana

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (El Método Kairós)

Nivel: 6.5 /8 

  

¿De qué se trata?: “No es una biografía de Salvador Dalí. Tampoco representa una oda a su obra. Es una visita a su cerebro, a su imaginación ilimitada. Un paseo por el derrotero fantástico, surrealista, desgarrado de su cosmovisión artística, de su genio”.

El punto fuerte de la obra: la dirección de Mariano Taccagni.

Se le atribuye a Salvador Dalí la frase “La única diferencia entre un loco y yo es que el loco cree que no lo está, mientras yo sé que lo estoy”. Si algo me quedó grabado de lo que aprendí en la facultad sobre este pintor es su método paranoico-crítico, por el que simulaba un estado de locura para intentar ver las cosas como las vería un demente. A su vez, pretendía entrar en estado alfa a través del automatismo psíquico (por ejemplo, se acostaba en un sillón con una cuchara en la mano, para que lo despertara al caerse). Todo esto le permitía coquetear con el subconsciente, ese costado humano enigmático y a veces temible, como todo lo que no se puede domar. Justamente, el movimiento del surrealismo hace referencia a lo que subyace a lo real. A mi entender, Daliniana es un musical conceptual, porque no nos quiere mostrar un período en la vida del artista, sino que intenta adentrarnos en ese mundo retorcido e indeterminado que está más allá del estado de consciencia, pero a través de la mismísima psique de Dalí. Y lo más interesante es que lo logra.

Se estrena "Todo Piola", de Gustavo Tarrío y Guadalupe Otheguy

Categoría: OBRA CON CANCIONES

Se estrena Todo Piola

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro del Abasto)

  

Por el momento, no voy a poder asistir a esta obra y redactar la crítica. Sin embargo, no quería dejar de publicar la información central que concierne a este original experimento teatral. Todo piola está dirigida por Gustavo Tarrío (que tiene experiencia en teatro, cine y TV) y cuenta con las actuaciones de Eddy García, Carla Di Grazia (una bailarina que viene de realizar un trabajo impresionante en La Wagner) y Guadalupe Otheguy (que aporta sus canciones). El estreno será el viernes 20 de febrero.

Crítica de "Los Tres Mosqueteros", de Hernán Espinosa y Damián Mahler

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de “Los Tres Mosqueteros, el musical”

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2015 (Teatro La Comedia)

Nivel: 6 /8 

¿De qué se trata?: El joven D’Artagnan deja su Gascuña natal y llega a Paris para cumplir su sueño de unirse al cuerpo de mosqueteros, los guardias del Rey Luis XIII, siendo Athos, Porthos y Aramis los más destacados. D’Artagnan pronto traba amistad con los tres mosqueteros y juntos se embarcan en una peligrosa aventura para salvar el honor de la Reina, acosada por el ambicioso Cardenal Richelieu.

El punto fuerte de la obra: las actuaciones de Patricio Arellano (D’Artagnan), Ana Victoria de Vicentiis (Milady de Winter) y Damián Iglesias (Richelieu).

“No olviden mi nombre: ¡soy D’Artagnan!”, canta el protagonista a todo pulmón. Y ciertamente que el mundo no olvidó su nombre. 171 años han pasado desde la publicación por entregas de la novela francesa Los Tres Mosqueteros (1841), de Alejandro Dumas, y desde entonces se han concebido numerosas adaptaciones. En 1903 se estrenó la primera película y en 1928, el primer musical en Broadway (que tuvo su versión en Corea del Sur en 2010 y 2011).

Es difícil condensar el libro en una obra de teatro, y está claro que esa no fue la intención del dramaturgo, letrista y director Hernán Espinosa, que estrenó su versión en su Córdoba natal en 2013 y quiso apropiarse del material desde su óptica. Por suerte, su visión de la historia se convirtió en el primer musical cordobés en presentarse en Buenos Aires.

 Más allá de la síntesis y los cambios en la trama, es muy interesante que Espinosa haya decidido no abordar la trama puramente desde el lado de las aventuras (que, incluso, en ciertos casos se cuentan pero no se muestran). Esto no quiere decir que no haya peleas con floretes ni amenazas para los héroes, pero no es frecuente encontrase con una traducción tan intimista de la novela, y esto le da un sello distintivo. Aquí, no se apuesta por la espectacularidad, a diferencia de la puesta coreana mencionada anteriormente. Por lo tanto, el centro son los personajes, y el libro de Espinosa le da importancia a sus motivaciones. 

Crítica de "Los Nixis y el bosque prohibido", de Alejandra Rubio, Hernán Matorra y Tomás Wicz

 Categoría: INFANTIL/JUVENIL

Crítica de Lo Nixis

y el bosque prohibido

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2014 (Teatro El Cubo)

Nivel: 7 /8

(Faltan 1 obra para completar el grupo de 3)

Si no estás al tanto del nuevo sistema, podés leer todo haciendo click acá.

  

Antes de comenzar, quiero aclararles algo. Tal vez crean que están leyendo una crítica, pero no lo están haciendo. En realidad, yo tomé posesión de sus mentes. Perdonen que lo haya hecho, pero es la única forma que les puedo contar sobre los seres mágicos llamados nixis. Por el momento, dejen que su consciencia vague por ningún lado en particular. Les prometo que hacia el final se las voy a devolver, y todo esto habrá parecido real… pero no lo fue. Ahora sí:

Crítica de "Hora y Cuarto" de Mariano Taccagni y Javier López del Carril

Categoría: INFANTIL/JUVENIL

Crítica de Hora y Cuarto

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2014 (Centro Cultural Borges)

Nivel: 7 /8

(Faltan 2 obras para completar el grupo de 3)

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¿De qué se trata?: De la tensa hora y cuarto previa a una función. Una parodia a los entretelones del mundo del teatro musical hecha por jóvenes intérpretes (entre 8 y 19 años).

El punto fuerte de la obra: la coreografía de Milagros Michael.

Además de ser una buena bailarina, Michael es una destacada coreógrafa, al menos para manejar elencos infanto-juveniles. En Hora y cuarto, trabajó con movimientos disociados y amalgamó los estilos de danza jazz y hip hop.

La respuesta del elenco es óptima, y se nota que los intérpretes se han formado en baile. Realmente me sorprendió el primer cuadro por su limpieza (como luego remarca uno de los personajes). Las coreografías son bastante exigentes y requieren de concentración, porque los pasos cambian con rapidez. Sin embargo, los chicos no tienen problemas con ellas, no miran al piso y casi siempre logran un alto grado de coordinación. Otro desafío que sumó Michael fue el del planteo coreográfico en varios planos, que obliga a todos a tomar consciencia de la totalidad del espacio escénico (por eso sirve tanto a nivel pedagógico). Entonces, ya desde el vamos, la obra me emocionó porque en los primeros cinco minutos percibí el talento que tenía delante. Por supuesto, hay que seguir desarrollándolo (en algunos casos, con más esfuerzo que en otros). Sin embargo, en líneas generales, esta Compañía de Teatro Musical Juvenil está a un nivel superior que otros grupos no juveniles (y que ciertos supuestos artistas con su nombre destacado en una marquesina de un teatro comercial).

Crítica de "22:22 Crónicas de un mundo absurdo", de Lautaro Metral

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de 22:22

Crónicas de un mundo absurdo

Buenos Aires, Argentina

Temporada 2014 (El Método Kairós)

Nivel: 6.5 /8

(Faltan 2 obras para completar el grupo de 3)

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El punto fuerte de la obra: la dirección de Lautaro Metral.

*Nota: Si estás en la versión para celulares del blog, puede ser que no veas correctamente el texto que está debajo.

Crítica de "Santa María, Ópera Rock", de Sergio Cohen Salama y Gastón Grinszpun

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Santa María,

Ópera Rock

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2014 (Centro Cultural Sábato).

Nivel: 6.5 /8

(Se completó el grupo. Ya podés votar en la comparación Nº2, que aparece bien arriba en la franja de la derecha. Más detalles al final de esta crítica)

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¿De qué se trata?: El tiempo transcurre desde el año 1942 al 2014, Ciudad de Santa María. Las fuerzas policiales están bajo el mando de un dictador. Un grupo de jóvenes, guiados por El Idealista, se alza en busca de la libertad. La música es la que cuenta la historia, mientras el protagonista se enfrenta a su destino, a través del tiempo, la muerte, el amor, el poder, los ideales y lo más bajo de los seres humanos.

El punto fuerte de la obra: la puesta de Natalia Tamara Rosa (dirección) y Alejandra Farias (asistente de dirección).

Para empezar, me parece pertinente definir qué es una rock opera u ópera rock, para aquellos que no estén familiarizados con el término. Además, porque este no remite a un significado unívoco. Voy a dar una aproximación muy breve, para no apartar el foco de la obra que nos ocupa. En líneas generales, distingo dos tipos de ópera rock, y los voy a presentar a través de pioneros y casos emblemáticos: 

Crítica de "Farinelli, el castrado: un musical barroco", de Rolo Sosiuk y Rodrigo Fornillo

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Farinelli, el castrado:

un musical barroco

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2014 (Teatro Empire).

Nivel: 5.5 /8

(Faltan 2 obras para completar el grupo de 3)

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El punto fuerte de la obra: Georgina Frere.

¿Qué había dentro de aquella garganta? ¿Ángeles o demonios? He aquí el dilema del que parte este nuevo musical, que se pregunta si la destreza vocal que exhibía el castrato Farinelli era un don celestial o la causa de su perdición. Desde el minuto uno, la propuesta se inclinará por uno de estos dos costados (no es difícil imaginar por cuál). A partir de allí, la puesta de Rolo Sosiuk adoptará un acertado tono lúgubre, que se sostendrá en las canciones compuestas por Rodrigo Fornillo.

Crítica de "Ayres de Cabaret" en concierto, de Sebastián Terragni y Daniel Landea

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Ayres de Cabaret,

entre luces y sombras

en concierto

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2014 (Teatro La Mueca).

Nivel: 6.5 /8

(Falta 1 obra para completar el grupo de 3)

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ATENCIÓN: SÁBADO 30 DE AGOSTO 23:15 HS. ÚLTIMA FUNCIÓN

El punto fuerte de la obra: Vicky Buchino como Ángela de América.

Con su desparpajo habitual, Buchino encarna a una mujer con temperamento, que haría cualquier cosa para no perder su condición de estrella dentro del show “Ayres de Cabaret”. Tras permanecer años en un mismo teatro y creer que su permanencia está garantizada, debe mostrarse súbitamente a la defensiva y desconfiar de todos. Aquí ya tenemos el primer vestigio de lo que quiere mostrar Sebastián Terragni (autor y director): un teatro porteño moralmente corrompido, con fuertes internas, en medio de la década del 30 (la llamada Década Infame). Ciertamente, un período histórico donde la Argentina tenía varios problemas (¿cuándo no?). Pero lo que importa es ver hasta qué punto la crisis estructural y la convulsión que reinaban en la política y la sociedad podían trasladarse a espacios más reducidos como un teatro. Este oscuro lugar está administrado por el impetuoso Gustaw (Marcelo Cornu) y su fría mujer Sonja (Nelly Morelli).

Crítica de "Orlando, despierta!", de Leo Bosio y Jano Piccardo

Categoría: OBRA MUSICAL

Crítica de Orlando, despierta!

Basada en la novela Orlando (1928), de Virginia Woolf

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2014 (Sala Siranush).

Nivel: 8 /8

(Faltan 2 obras para completar el grupo de 3)

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¿De qué se trata?: Una biografía en escena, donde su protagonista, Orlando (Pablo Martínez y Sabrina Macchi), atraviesa varios siglos sin envejecer, pero se somete a una transformación física inexplicable.

El punto fuerte de la obra: la estupenda actuación de Sabrina Macchi como Orlando.

Macchi está todo el tiempo en escena y asume dos roles distintos (el de biógrafa en la primera parte y el de Orlando en la segunda). Incluso cuando no encarna al protagonista, es ella quien lleva adelante gran parte del complejo ritmo de la obra y permite que sus compañeros se articulen a él. La asimilación de este pulso tan especial se percibe en su inteligencia para el manejo de la proyección de su voz hablada. Hay que tener en cuenta que le toca representar a un Orlando que está más psicológicamente enmarañado que el de Pablo Martínez, porque a la luz del extraño acontecimiento se despiertan en él/ella muchas preguntas, reflexiones, contradicciones y dudas. Macchi maneja esta situación con mucha expresividad, a tal punto que logra que le creamos perfectamente el concepto de “la misma persona; distinto sexo”. Además, acentúa la impulsividad de Orlando, demostrando que no hay que sobreactuar para ser pasional.

Crítica de "Oz, en concierto", de Eduardo Gondell y Diego Monk

Categoría: MUSICAL INFANTIL

Crítica de Oz, en concierto

Basada en el libro The Wonderful Wizard of Oz (1900), de L. Frank Baum

Buenos Aires, Argentina.

Temporada 2014 (Auditorio Belgrano).

Nivel: 6 /8

(Se completó el grupo. Ya podés votar en la comparación Nº1, que aparece bien arriba en la barra de la derecha. Más detalles al final de esta crítica)

Si no estás al tanto del nuevo sistema, podés leer todo haciendo click acá.

El punto fuerte de la obra: el dúo protagónico, Florencia Otero y Patricio Arellano.

Con solvencia escénica y simpatía, ponen en evidencia que no es necesario estar siempre presentes en un programa de TV para poder conectarse desde el primer momento con el público infantil. A lo que me refiero es que, si bien este espectáculo es un pariente cercano del ciclo televisivo La maga y el camino dorado, este dejó de emitirse en 2009. Por lo tanto, muchos de los chicos de la platea ni se acuerdan de que existió. Por eso, no es el fanatismo por un programa lo que los predispone a prestar atención, sino que quedan librados al magnetismo de los intérpretes.

Con respecto a La maga, que se emitió por Nickelodeon, fue vendido a distintas partes del mundo y todos los miembros del elenco de Oz, en concierto repiten sus roles en el teatro. Con excepción de Germán Tripel, claro, que encarna al León cobarde (si leyeron Wicked entenderán por qué se escribe con mayúscula). En aquella ficción era Alejandro Paker quien hacía ese papel, pero si también participara de esta obra necesitaría un pulmotor (actúa en El Capitán Beto, El Principito y Priscilla). [Una pequeña anécdota antes de seguir: recuerdo muy bien cuando La maga comenzó a grabarse porque en 2008 yo tenía sesiones con el mismo terapeuta que Florencia Otero y él me había anticipado que su “pacientita” (así dijo) iba a protagonizarla y que estaba orgulloso. Como ya habrán notado a lo largo de las críticas, ya no hago más terapia.]

Volviendo a los protagonistas, Arellano arremete con una poderosa canción en la que pide “Música por favor” y despierta aplausos espontáneos. Tiene un muy buen dominio de su voz, tanto para lo rockero como para lo melódico. Por su parte, Otero se muestra con su calidez habitual para cantar y actuar, y se carga al hombro toda la obra. Carlos March (Espantapájaros), Leonardo Trento (Hombre de Lata), Germán Tripel (León) y Andrea Surdo (bruja buena) son quienes la escoltan en su aventura.

Sin embargo, todos ellos tienen un acompañamiento mayor: una banda integrada por Leandro Zilberberg (teclado), Nicolás de Carli (guitarra eléctrica), Julian Gondell (batería) y Lautaro Rico Gómez (bajo). El hecho de que la mayoría de las canciones sean interpretadas con acompañamiento en vivo es un valor agregado que el público agradece. La premisa de quebrar el relato con momentos de concierto es lo que le da su impronta a esta nueva incursión en una historia tan versionada. Los chicos viven ciertos tramos como un recital, y eso es mérito de la elección del director Eduardo Gondell y de la entretenida música de Diego Monk (algunas canciones están muy bien logradas).

Hugo Gómez Carranza también repitió el rol que ocupaba en el programa de TV y montó algunas coreografías muy sencillas.

El guión de Eduardo Gondell es una aproximación simple a la historia del libro El Maravilloso Mago de Oz. Si bien es una gran novela de fantasía, resulta que la película musical de 1939 (El Mago de Oz) es tan fuerte en la cultura popular que gran parte de las adaptaciones suelen remitirse a ella antes que al material de origen, al que terminó opacando. La verdad es que se entiende el porqué: el film es entrañable y atesorado por varias generaciones, en contraposición, por ejemplo, al mucho menos conocido musical de Broadway The Wiz, que tuvo su versión fílmica con Diana Ross, Michael Jackson y Lena Horne en 1978. Pese a los malos comentarios, a mí me sigue resultando una película interesante. Retomando la versión de Gondell, tomó unos pocos elementos del clásico de los clásicos que protagonizó Judy Garland e hizo una adaptación reducida para mantener la atención de los chicos. Además, le agregó ideas de su propia cosecha: situó el “mundo real” en la ciudad y delineó una historia de amor. Cabe decir que lo que se cuenta no está extraído del programa de TV.

Se utilizan proyecciones en tres pantallas para abreviar alguna parte del relato, mostrar la transición entre la ciudad y el país de Oz, incorporar a personajes a la acción o ambientar la escena o la canción. La ciudad se muestra en blanco y negro (en un guiño a la película) y el país de Oz, a color. Tal vez la mezcla de lenguajes visuales no sea la mejor elección para representar este último, pero puede funcionar en el marco del concierto (en cuyo caso, yo le hubiera sacado ciertos degradados, pero es una minucia muy personal). Sí es más efectivo el recursos usado para el encuentro con el Mago (donde se cambia lo que sucede en el libro y la película) y la idea de tener presente a Florencia en la pantalla mientras Patricio canta sobre su amor por ella.

Más información:

Dirección: Eduardo Gondell

Prensa: Sandra Beerbrayer

Teatro: Auditorio Belgrano (Av. Cabildo y Virrey Loreto; entrada: Virrey Loreto 2348)

Precio de las entradas: $100 (pullman), $150 (platea filas 28 a 32), $180 (platea filas 21 a 27), $200 (platea filas 11 a 20) y $220 (platea filas 1 a 10)

Entradas a la venta en el teatro y por Ticketek

Funciones: jueves a domingo 18:30 hs.

Duración: 1 hora y 10 minutos

Promoción: presentando el programa de mano en boletería y comprando una entrada para otro infantil del Auditorio Belgrano (El Principito o Cosas de payasos), se obtiene una entrada gratis para el tercero de los musicales infantiles.

Cosas de payasos: 15 hs. / El Principito, una aventura musical: 17 hs.

Fotos: www.ingridchurch.com/wp-content/uploads/2013/04/oz2.jpg y fb.com/ozenconcierto

[Integran también el nivel 6 de los musicales infantiles: Doki, una expedición musical y El Principito, una aventura musical.]

DETALLES SOBRE LA COMPARACIÓN Nº1:

Como ya había anticipado al implementar el nuevo sistema, cada vez que 3 obras llegaran al mismo nivel las iba a comparar para decidir cuáles 2 van a figurar en el ranking que se va a ir armando de a poco. Yo voy a elegir la primera y la segunda surgirá de la encuesta que pueden ver bien arriba en la barra de la derecha (si están en la versión móvil, es probable que no puedan visualizarla, pero pueden dejar su voto en forma de comentario en cualquier entrada o enviando un mail). Va a ser una votación fugaz, que va a terminar el jueves a la tarde y seguramente tenga muy pocos votos. Si prefieren usar Twitter para votar, pueden mencionar @ECdeMusicales así puedo ver su elección. Si nadie vota, 1 sola obra aparecerá en el ranking.

¿Cuál es el objetivo didáctico de esto?: Enriquecer la visión que podemos tener de cada obra en comparación con otras, descubriendo virtudes y flaquezas.

¿Cuál es el otro objetivo de esto?: Ponerle un poco de competitividad a la cuestión.